KUNST // ESSAY – De kvindelige kunstnere Jeanne Hébuterne, Charley Toorop, Artemisia Gentileschi og Judith Leyster måtte kæmpe mod både fordomme, ydmygelse og personlige tragedier. Alligevel efterlod de værker, der i dag regnes blandt kunsthistoriens mest betydningsfulde – og minder os om, at talent og mod kan sprænge tidens begrænsninger.
Jeanne Hébuterne, Charley Toorop, Artemisia Gentileschi og Judith Leyster. Disse kvindelige kunstnere har tilfælles, at de stod over for modstand, ydmygelse og tragedier, men nægtede at tie. Bag hver penselstrøg gemmer sig historier om svigt, kærlighed, tab og kamp – fortællinger, der ikke bare forandrede deres eget liv, men også kunstens historie.
Tragiske heltinder: Jeanne Hébuterne
Jeanne Hébuterne (1898-1920) blev født i en middelklassefamilie i Meaux, Frankrig. Da hun i en meget ung alder udviste et bemærkelsesværdigt talent for at tegne, lod hendes forældre hende studere på Académie Colarossi i Paris. Det var på højdepunktet af Belle Époque, og Paris var fyldt med kunstnere, der var strømmet til lysets by.
Hendes tragiske, alt for tidlige død berøvede kunstverdenen en lovende kunstner
I Paris blev hun inspireret af fauvisterne, en gruppe ‘vilde’ unge kunstnere som Henri Matisse og André Derain, der foretrak stærke farver og fladt perspektiv frem for impressionisternes mere realistiske gengivelser. Hun var også påvirket af ‘Les Nabis’, kunstnerne, der var inspireret af Paul Gauguin og japansk kunst med dens stærke konturer og dristige farvekombinationer.
I foråret 1917 blev hun introduceret til den karismatiske, men intenst selvdestruktive kunstner Amedeo Modigliani. De indledte en affære, og på trods af stærke indvendinger fra hendes romersk-katolske forældre flyttede hun ind hos ham.
Jeanne Hébuterne blev hovedmotivet for Modiglianis kunst, og hun stod model for ham utallige gange. I begyndelsen af 1918 flyttede parret til Nice, hvor de havde et livligt socialt liv med både Picasso, Renoir og Derain som deres venner.
Parret vendte tilbage til Paris i slutningen af 1918, hvor deres datter Jeanne Modigliani blev født. Forholdet var ustabilt, fordi Amedeo havde dårligt helbred og var afhængig af både alkohol og stoffer, og efter datterens fødsel led Hébuterne af depression.
I begyndelsen af 1920 drak Modigliani, der led af tuberkuløs meningitis, meget og blev hurtigt dårligere, mens Jeanne Hébuterne var otte måneder henne i sin graviditet med deres andet barn. Den 24. januar 1920 døde Modigliani. Hébuternes familie bragte hende hjem, men mindre end 48 timer senere kastede utrøstelige Jeanne sig ud ad vinduet i lejligheden på 5. sal.
Først blev hun begravet på Cimetière de Bagneux, senere – på anmodning af Modiglianis bror Emanuele – genbegravet ved siden af Modigliani på Père Lachaise-kirkegården i Paris.
Til en vis grad var hun mere eksperimenterende end Modigliani og afprøvede forskellige tilgange. I dette selvportræt fra 1917, hvor hun karakteristisk bærer sit rødbrune hår i to fletninger, er Matisses indflydelse med hans valg af klare, rene farver, dristige konturer og brug af enkle former tydeligt synlig, ligesom den japanske indflydelse i kimonoen, brugen af store farveflader og den tilfældigt afskårne baggrund.
Jeanne Hébuterne nåede at male omkring 25 værker i sit alt for korte liv, næsten det samme antal som Modigliani malede af hende, nemlig 26 gange.
Hendes tragiske, alt for tidlige død berøvede kunstverdenen en lovende kunstner; hendes portræt af Chaim Soutine blev solgt hos Christies i 2008 for 73.000 euro. Desuden led Hébuterne den tvivlsomme ære, at hendes værk blev forfalsket: I 2010 blev Christian Parisot, kurator for en udstilling af hendes værker i Venedig i 2000, beskyldt af Hébuternes barnebarn for at have forfalsket 77 tegninger. Parisot blev idømt en betinget dom på to år og en bøde på 50.000 euro.
Charley Toorop, realist med et magisk præg
Anne Caroline Pontifex Fernhout-Toorop (1891-1955) er bedst kendt som Charley Toorop og var en af de mest indflydelsesrige modernistiske malere i Holland. Med den berømte kunstner Jan Toorop som far var Charley fra en ung alder fast besluttet på at blive kunstner, men hun opdagede hurtigt, at Vincent van Goghs værker som Gennembruddet til en ny verden var hendes sande inspiration, ikke hendes fars symbolisme eller art nouveau-linearisme.
Hun begyndte på maleriet midt i 2. verdenskrig under vanskelige omstændigheder, efter at hun havde fået adskillige slagtilfælde og var blevet lam i den ene side
Ligesom Van Gogh rejste hun til Borinage i Belgien, portrætterede de fattige minearbejdere, tog til Provence og malede landskaber og solsikker, og i Paris malede hun tiggerne, under broerne. Gennem sine venskaber med kunstnere som Piet Mondriaan absorberede Charley også andre påvirkninger som kubisme og ekspressionisme, men fandt sin egen, unikke stil med benhård, skarp realisme.
I flere år var hun gift med filosoffen Henk Fernhout. Alkoholikeren Fernhout kunne ikke acceptere, at Charleys primære bekymring var hendes kunst og ikke ham, og deres ulykkelige ægteskab varede kun i fem år.
Charley Toorops kunst er karakteriseret af en rå og ubønhørlig realisme på jagt efter – som hun selv formulerede det – en dybere oplevelse af virkeligheden. Hun malede ofte store og frontale figurer, robuste og kraftfulde portrætter, inspireret af den magiske kraft i de egyptiske Fayoum-portrætter, som hun opdagede i Musée Guimet i Paris under sit ophold i 1921, hvor Piet Mondriaan havde fundet en lejlighed til hende og hendes tre børn.
I Tre Generationer har Charley Toorop udødeliggjort sig selv, sin søn Eddy og sin berømte far i sit atelier i Bergen, Holland. Bag kunstneren står hendes søn, maleren Edgar Fernhout, med en palet i hånden. Hendes far Jan Toorop døde i 1928 og er repræsenteret af den store bronzebuste af billedhuggeren John Raedecker. Billedet antyder et kors med Faderen, Sønnen og Helligånden, det vil sige Charley, i midten.
Hun begyndte på maleriet midt i 2. verdenskrig under vanskelige omstændigheder, efter at hun havde fået adskillige slagtilfælde og var blevet lam i den ene side. Bevidst om sin egen dødelighed giver hun billedet en atmosfære af forestående undergang. Træerne udenfor signalerer vinter, og ruden danner et kors. Hun citeres for at sige, at hun ved at forbinde Eddy på denne måde med sin mor og bedstefar “sømmede dem til korset”.
Hendes arbejde har overlevet som en selvstændig, modig arv og er repræsenteret på store museer i Holland som Centraal Museum Utrecht, Museum Boijmans van Beuningen i Rotterdam, Museum Kröller-Müller i Otterlo og Groninger Museum i Groningen.
Artemisia Gentileschi, et plaget geni
Hvis nogen passer perfekt til betegnelsen ‘plaget geni’, må det være den tidlige barokmaler Artemisia Gentileschi (1593-1654), en af de mest berømte kvindelige kunstnere i det syttende århundrede.
Før hun kunne nå denne ophøjede status, blev Artemisia Gentileschi dog udsat for både voldtægt, ydmygelse og – bogstaveligt talt – tortur.
Under retssagen beordrede dommeren, at Artemisia – ikke Agostino Tassi – skulle tortureres foran voldtægtsmanden for at sikre, at hun fortalte sandheden
I dette maleri ses den hellige Katarina af Alexandria den kristne helgen i trekvartperspektiv med et knækket hjul. Den kristne helgen, der led martyrdøden i begyndelsen af det fjerde århundrede, læner sig op ad et knækket hjul besat med jernpigge, som hun blev bundet til og tortureret med, og som blev hendes standardattribut i kunsten. Hun portrætteres som ukuelig, efter at have udholdt tortur – ligesom kunstneren selv gjorde.
Det er et af flere malerier af kvindelige martyrer, som Gentileschi lavede efter sin berømte voldtægtsretssag i Rom i 1612. Året før, i en alder af 17 år, var hun blevet voldtaget af maleren Agostino Tassi, en samarbejdspartner til hendes far, som også var maler. Da familienavnet var blevet plettet, insisterede hendes far Orazio på, at sagen skulle komme for retten. Under retssagen beordrede dommeren, at Artemisia – ikke Agostino Tassi – skulle tortureres foran voldtægtsmanden for at sikre, at hun fortalte sandheden. Til sidst blev Tassi idømt forvisning fra Rom, men straffen blev aldrig eksekveret. De omhyggelige optegnelser af den syv måneder lange retssag opbevares i statsarkivet L’Archivio di Stato i Rom.
Kort efter retssagen giftede Artemisia sig og forlod Rom til fordel for Firenze. Her fødte hun ikke blot fem børn, men etablerede sig også som en uafhængig kunstner; hendes arbejde tiltrak sig den herskende Medici-families protektion, og i 1616 blev hun den første kvinde nogensinde optaget på byens Accademia delle Arti del Disegno.
I ti år vendte hun tilbage til Rom, men bosatte sig i 1630 i Napoli, hvor hun drev et blomstrende atelier indtil sin død omkring 1654.
Gentileschi blev internationalt succesfuld som fortæller på et tidspunkt, hvor det var ekstremt sjældent for en kvinde at være maler. Hun er kendt for at male mange scener fra Bibelen til tider med chokerende vold. Hendes mest berømte værk er det arketypiske Judith dræber Holofernes (1613), malet et år efter retssagen.
Ledestjerne Leyster
Judith Leyster var en hollandsk kunstner fra guldalderen, født i Haarlem i 1609. Hendes far, Jan Willemszoon, var ejer af et bryggeri kaldet “Leyster” (ledestjerne), hvorfra familien fik sit efternavn. Familien levede komfortabelt, indtil Jan blev erklæret konkurs i 1625, og Judith og hendes søskende blev sat til at arbejde for at hjælpe med at dække familiens udgifter.
Betydningsfuldt for kvaliteten er det faktum, at Leysters selvportræt i århundreder blev antaget at være et maleri af Frans Hals
Nederlandene havde frigjort sig fra spansk kontrol og katolicismen, og en ny klasse af købmænd og kunstkøbere opstod. Da protestantismen nu var den dominerende religion i Holland, kom der ingen bestillinger fra kirken. I stedet blev malere bestilt til at lave portrætter, genremalerier, stilleben, inklusive blomsterarrangementer, hvor sidstnævnte var det foretrukne motiv for de få kvindelige kunstnere i perioden.
Judith Leyster var usædvanlig på mange måder; for det første malede hun med meget løst penseltræk, for det andet malede hun, i stedet for detaljeret og raffineret, motiver, som hendes mandlige kolleger havde monopoliseret, såsom genremalerier, der skildrede muntre, musikalske grupper, legende små børn og portrætter. For det tredje blev hun optaget i malerlauget i Haarlem i begyndelsen af 1630’erne.
Og for det fjerde, fordi hun etablerede sit eget atelier med assistenter og dermed blev den eneste kvindelige mestermaler på sin tid. Hvis man ikke var medlem af lauget, kunne man ikke etablere et ordentligt atelier, og bestillingerne ville blive meget færre.
Atelierlivet kunne dog være vanskeligt, og ikke uden drama: Leyster indgav engang en klage mod Frans Hals, den mest indflydelsesrige kunstner i Haarlem på det tidspunkt, for at have stjålet en af hendes lærlinge. Hals måtte betale en bøde – men beholdt assistenten.
Hun signerede sit værk med monogrammet JL udsmykket med en ledestjerne, der henviste til hendes navn Ley-ster.
Selvportrættet var sandsynligvis hendes billet til lauget, da ansøgerne skulle indsende et ‘mesterværk’.
Her portrætterer hun næppe sig selv i sit arbejdstøj, men poserer selvsikker i dyrt, moderigtigt tøj, i en enorm blondekrave og silkeærmer, hvilket giver hende mulighed for at vise sine evner til at skildre de forskellige tekstiler. På staffeliet viser et igangværende værk en leende spillemand, et typisk eksempel på den slags genremaleri, hun mest udførte. Hun læner underarmen på stolen og holder sin pensel hævet og signalerer, at hun vender tilbage til lærredet om et øjeblik. Med stor selvtillid holder hun en palet og ikke færre end 18 pensler.
Betydningsfuldt for kvaliteten er det faktum, at Leysters selvportræt i århundreder blev antaget at være et maleri af Frans Hals.
Hendes succesfulde karriere blev afbrudt i 1636, da hun giftede sig med Jan Miense Molenaer, en kunstnerkollega og nær tilhænger af Hals. Der kendes meget lidt arbejde fra hendes hånd efter hendes ægteskab, selvom hun sandsynligvis arbejdede i sin mands atelier. I nyere tid er et par senere værker kommet frem i lyset, såsom et blomsterstilleben signeret Judith. molenaers 1654. Et andet selvportræt, der stammer fra 1653, blev opdaget i 2016 og solgt på auktion for næsten 600.000 dollars.
Trods hendes succes i løbet af sin levetid skubbede århundreders fejlagtig tilskrivning Leyster fuldstændig ud af billedet, og det var først i slutningen af det 19. århundrede, at Leysters talent endelig begyndte at blive anerkendt.
Før det var adskillige af hendes værker krediteret Frans Hals eller tilskrevet hendes mand Jan Miense Molenaer. I ét tilfælde var der tydeligvis tale om forsætligt bedrag: en kunsthistoriker fandt Leysters karakteristiske signatur på et maleri solgt til Louvre, skjult under en falsk signatur med teksten ‘Frans Hals’. Den efterfølgende retssag blev afgjort med en refusion til museet på 25% af salgsprisen.
Judith Leysters værker kan også findes på andre prestigefyldte samlinger som Rijksmuseum i Amsterdam, National Gallery i London, Nationalmuseet i Stockholm og nu, måske som poetisk retfærdighed, på Frans Hals Museum i Haarlem.
Som Dolly Parton synger: “Sometimes it’s hard to be a woman”, hvilket måske især gælder, når man ønsker at følge et kald inden for kunsten.
POV Overblik
Støt POV’s arbejde som uafhængigt medie og modtag POV Overblik samt dagens udvalgte tophistorier alle hverdage, direkte i din postkasse.
- Et kritisk nyhedsoverblik fra ind- og udland
- Indsigt baseret på selvstændig research
- Dagens tophistorier fra POV International
- I din indbakke alle hverdage kl. 12.00
- Betal med MobilePay
For kun 25 kr. om måneden giver du POV International mulighed for at bringe uafhængig kvalitetsjournalistik.
og