Ida Praetorius - ballet

Ida Praetorius: Ballet har et udtryk, der taler forbi hjernen og direkte til vores sanser

i Kultur/Scenekunst af
SOLODANSER PÅ BÆNKEN #4 // INTERVIEW – Tre dage før premieren på John Neumeiers Mahlers 3. Symfoni lukkede Det Kgl. Teater pga. coronakrisen, og Den Kgl. Ballets dansere blev hjemsendt på ubestemt tid. Hvordan holder de sig i form, hvad med kreativiteten og det kunstneriske i hverdagen? Hvad driver dem egentlig? Mød Ida Praetorius, solodanser ved Den kgl. Ballet i denne serie.

Ida Praetorius, savner du at være på scenen, at du pludselig ikke kan danse? Hvordan holder du dig i form, når du er bundet til hjemmet?

Ja, Ja, jeg savner scenen og at optræde, men mest af alt savner jeg den fordybelse i arbejdsrummet med mine kollegaer, musikken og dansen. Det er ikke det samme, når jeg danser hjemme i mit køkken. Jeg gør mit bedste for at holde mig i balletform. Jeg starter dagen med at lave Floor Barre, en slags liggende stangskole, derefter laver jeg en rigtig barre.

Vi får online træning tilbudt fra Den Kongelige Ballet hver dag kl. 10, men jeg nyder også at træne med forskellige undervisere fra hele verden. Der findes et hav af virkelig gode videoer på internettet. Jeg har blandt andet taget træning med Royal Ballet, Hamburg Balletten og Dutch National Ballet. Derudover laver jeg online Pilates træning med blandt andet Copenhagen Pilates Studio, og så løber jeg lange ture for at træne cardio og for at få lidt frisk luft.

Finder du andre måder at være kreativ på?

Jeg kan mærke, at de mere rolige dage skaber en anden slags kreativitet inde i mig. Jeg håber, at de drømmeprojekter en dag vil få et rigtigt liv.

Når du ser tilbage, hvordan opdagede du så ballet? Hvad er dine tidligste indtryk?

Jeg så min første ballet på Gamle Scene, da jeg var tre år gammel. Det var August Bournonvilles Et Folkesagn, og jeg sad helt stille og var betaget fra start til slut. Det var vist kærlighed ved første blik.

Hvordan vil du beskrive dig selv som danser?

Jeg elsker at fordybe mig i partier og forsvinde ind i forestillinger, men hvordan publikum ser mig må være op til dem. Jeg håber, at jeg kan være med til at give dem en oplevelse, som vil gøre indtryk på den ene eller anden måde.

Er du ambitiøs? Hvordan?

Ja, jeg er ambitiøs omkring mit arbejde. For mig udspiller det sig i drømme og kommer fra min respekt og kærlighed til kunstarten. Der er en masse motivation i drømme, og det kan få mig ud af sengen på en regnvejrsdag.

Hvilken rolle er den mest udfordrende, du har haft?

Svanesøen har været og er stadig en af de helt store udfordringer for mig. Dobbeltrollen Odette/Odile er et kæmpe og meget krævende parti, som udfordrer mig særligt på det tekniske plan. Det er en lang forestilling og det kræver en enorm stamina at komme igennem.

Hvilken rolle har været den mest betydningsfulde?

Romeo og Julie er en ballet, jeg holder særlig meget af. John Neumeiers fortolkning af Shakespeares klassiker og Prokofievs tidløse musik rammer mig helt inde i sjælen. Julie er et parti der føltes naturligt for mig, men som også altid udfordrer mig. Det er en ballet der bliver ved med at udvikle sig for mig.

Ida Praetorius - ballet
Ida Praetorius og Gregory Dean i John Neumeiers Romeo og Julie. Foto: Costin Radu/Det kgl. Teater.

Er der en rolle eller en ballet, der har været et særligt gennembrud for dig?

Eleven i Enetime var min første hovedrolle. Jeg fik muligheden for at danse og arbejde med rollen i en ung alder, og det har betydet meget for mig. Marguerite Gautier i Kameliadamen var første gang jeg portrætterede en kvinde, som ikke var ung og naiv. Det var en proces der udviklede mig som kunstner, og som har præget min dans meget efterfølgende.

Hvad er din drømmerolle?

Der er mange roller, jeg drømmer om at danse: Sylfiden, Manon, Onegin og Den Lille Havfrue er et par af dem. Jeg drømmer også om at arbejde endnu mere med store koreografer som John Neumeier og Liam Scarlett. At få roller skabt til sig er altid en helt særlig oplevelse. Det drømmer jeg om at opleve mere af.

Har du forbilleder? Hvem og hvorfor?

Kizzy Matiakis er en stor inspiration for mig. Jeg elsker at observere hende i et arbejdsrum. Hun er fri og kreativ i sin dans, og så har hun humor der giver alle omkring hende grin i dagligdagens nogle gange stressede situationer.

Hvad er dit yndlingstrin? Hvilket trin synes du mindst om?

Jeg kan godt lide at arbejde med dynamik og musikalitet, og så er selve trinnet egentlig underordnet.

Jeg elsker at lave pas de deux og arbejde med en parter. Den totale frihed og kontakt, der kan opstå i dans med en anden, er for mig noget af det bedste ved at danse.

Nævn de tre smukkeste øjeblikke i ballet, der har gjort de største indtryk på dig. Kan du beskrive dem?

Jeg glemmer aldrig, da jeg så mine kollegaer danse Akram Khans Vertical Road den første gang. Jeg sad på min yndlingsplads helt fremme i første kulisse på Gamle Scene. Det er en abstrakt moderne forestilling, som er ekstremt musikalsk med en Moder Jord-energi.

De dansede så præcist, men med en frihed og power der blæste mig væk. Det var en overvældende oplevelse, og jeg tror, jeg græd 80 procent af tiden.

Urpremieren på Liam Scarletts Spar Dame. Fornemmelsen af at stå på scenen til fremkaldelserne og høre publikums fantastiske respons, og føle at vi havde været med at til skabe en ny klassisk ballet. Fornemmelsen af stolthed blev kun forstærket, da jeg så balletten for første gang som publikum med min bror, Tobias, i hovedrollen. Det glemmer jeg ikke.

50th Anniversary of Balanchine’s Jewels i New York 2017. New York City Ballet havde inviteret Pariser Operaen til at danse “Emeralds”, selv dansede de “Rubies” og Bolshoi Balletten dansede “Diamonds”. Det var et overflødighedshorn af imponerende dans, og meget spændende at se dansernes forskellige fortolkninger af ballet. Det huskede mig på, hvordan kunst kan være med til at samle mennesker fra hele verden uanset baggrund, politik og verdenssituation.

Ida Praetorius i John Neumeiers Kameliadamen. Foto: Costin Radu/Det kgl. Teater.

Hvordan adskiller Den kgl. Ballet sig fra andre kompagnier? Er det noget særligt?

Den Kongelige Ballet har som et af de ældste balletkompagnier i verden en fantastisk tradition og historik, ikke kun i form af Bournonville, men har og har haft et hav af inspirerende koreografer, instruktører, kunstnere osv. tilknyttet. At arbejde på Det Kongelige Teater er for mig et enormt inspirerende miljø.

Jeg elsker at “dele hus” med de andre kunstarter (opera, skuespil og kapel) og samarbejdet med alle dem der er med til at bringe forestillingerne til live. Jeg har kæmpe respekt for mine kollegaer på Det Kongelige Teater, og det giver mig lyst til at yde en særlig indsats.

Beskriv dit forhold til Bournonville. Hvad kan du eller kan du ikke lide ved Bournonville? Har han en fremtid?

Jeg er vokset op med Bournonville og har været med i hans balletter fra jeg var 8 år gammel. Hans balletter og skoler er teknisk svære og udfordrende, der er mange små vægtskift og komplicerede sammensætninger af trin.

Det er ekstremt musikalsk, og det kan føles som at ride på en bølge musik og dynamik, når man danser hans koreografi. Samtidig var Bournonville en meget dygtig historiefortæller, og hans balletter har på mange måder et meget menneskeligt udtryk, som jeg godt kan lide. Jeg nyder at arbejde med hans balletter og mener bestemt, at de har en fremtid.

Helt ærligt: Klassisk ballet i 2020? Er der overhovedet plads til den kunstart i moderne tid?

Ja. For mig kan ballet være tidsløst, men scenekunst lever kun så længe at vi arbejder med den. Teateret er et frirum fra hverdagens stress. Et sted til fordybelse, betagelse, refleksion og forglemmelse. Jeg elsker selv at sidde i publikumssalen og blive suget ind i det der sker på scenen, men jeg er også meget kritisk, særligt når det kommer til ballet.

Jeg synes, vi har et ansvar for at ballet i sin klassiske form ikke bliver støvet eller mister sin retning, men det behøver ikke nødvendigvis være ved at nyfortolke klassikerne. Det kan også blot ske ved at kvaliteten er på det højeste plan.

Hvad adskiller/kendetegner ballet i forhold til andre kunstarter?

Ballet er unikt i form af sit sprog. Kroppen er vores instrument og med de næsten overjordiske bevægelser kan det løfte sig til poesi. Kombinationen af musik, scenografi, formidling af følelser, kan give det et udtryk, der taler forbi hjernen og direkte til vores sanser.

Har du et link til en ballet (eller flere), man kan se på YouTube, du vil dele? Hvad gør dette klip værd at se, og hvad skal vi se efter?

Alina Cojocaru er et mine helt store idoler. Her taler hun om at give slip på scenen og reagere på, hvad der sker i øjeblikket. Alina nævner Sorella Englund, som også er en kæmpe inspiration for mig.

Gelsey Kirkland i Giselle. Hendes kvalitet og frihed vil for evigt være en kæmpe inspiration for mig.


BENCHED PRINCIPALS #4 // INTERVIEW – Three days before the opening night of John Neumeier’s “Mahlers 3. Symphony, the Royal Danish Theatre closed its door because of the corona crisis, and the dancers of the Royal Danish Ballet were sent home, for the moment on indefinite leave. How do they keep in shape, how do they find outlets for their creativity and artistry in this unusual situation. What drives them? Meet the principal dancers of the Royal Danish Ballet.

Ida Praetorius, do you miss the stage, not being able to perform? And how do you keep in shape when you’re homebound?

– Yes, I miss the stage and performing but more than that I miss the contemplation I connect with my colleagues, music and dance in the work space. Dancing at home in my kitchen isn’t the same. I do my best to stay in ballet shape. I start my day with a floor barre, it’s like a ballet barre but lying down, and do a real barre after that.

The Royal Danish Ballet has online training every day at 10am, but I also enjoy taking class with different teachers around the world. There’s a lot of really good videos available on the internet. Among others I’ve been training with the Royal Ballet, the Hamburg Ballet and Dutch National Ballet. I also do online Pilates with Copenhagen Pilates Studio. And I go for long runs to do cardio and get some fresh air

What about your creativity and artistry? 

I can feel how these quiet days give space to a different kind of creativity in me. I hope those dream projects will come to life for real one day.

Looking back, how did you discover ballet? What are your earliest memories and impressions?

I experienced my first ballet at Gamle Scene, when I was three years old. It was August Bournonvilles A Folk Tale. I was completely quiet, captivated from start to end. I think it was love at first sight.  

How would you describe yourself as a dancer?

I love to delve deeply into my parts, to disappear in a performance, but how the audiences see me, I can’t say. I hope, I help give them an experience, one which makes an impression on them in one way or another.

Are you ambitious? How does that manifest itself?

Yes, I am ambitious about my work. That is expressed in my dreams and come out of my respect and love for this art form. Dreams hold a lot of motivation and get me out of bed on rainy days. 

What is the most challenging role you’ve had?

Swan Lake has always been one of the greatest challenges for me. The dual role of Odette/Odile is a big and very demanding part, which challenges me, particularly technically. It’s a very long performance and getting through it takes a lot of stamina.

Which role has fulfilled you the most?

Romeo og Julie is a ballet, I care about particularly. John Neumeiers interpretation of Shakespeares classic and Prokofievs timeless music touches me deeply. Juliet is a part that comes naturally to me, but it also challenges me: It is a ballet, that keeps developing for me. 

Has there been a breakthrough role or ballet for you?

The Student in The Lesson was my first leading role. I had the opportunity to dance it and work on it at an early age and it has meant a lot to me. The role of Marguerite Gautier in The Lady of Camelias was the first time I portrayed a woman, who wasn’t young or naïve. It was a process which developed me as an artist, and which has influenced my dancing ever since. 

What’s your dream role?

I dream of dancing many roles: La Sylphide, Manon, Onegin and The Little Mermaid are some of them. I also dream of working even more with great choreographers like John Neumeier and Liam Scarlett. Creating a new role is always a very special experience. I dream of more of that.

Do you have role models? Who and why?

Kizzy Matiakis is a great inspiration to me. I love observing her in a workspace. She is free and creative in her dancing, and she has a sense of humour, which makes everyone around her laugh, even in some of the stressful situations we sometimes find ourselves in.

What’s your favourite step? Which one do you like the least?

I enjoy working with dynamic and musicality, and because of that the step itself in a way is less important. I love doing pas de deux and working with a partner. This sense of total freedom and contact that can happen dancing with another person is one of the things I like most about dancing.

Name the three beautiful moments in ballet that have made the greatest impression on you.

I’ll never forget when I saw my colleagues dance Akram Khans Vertical Road for the first time. I was in my favourite spot, right at the front of the first wing on Gamle Scene. The work is modern and abstract, it is extremely musical and has a Mother Earth energy. They danced is so precisely, yet with a freedom and power, which blew me away. It was an overpowering experience, and I think I must have cried 80% of the time.

The world premiere of Liam Scarletts Queen of Spades. The feeling of being on stage during the curtain calls, hearing this amazing response from the audience and know that we had been part of creating a new, classical work. This feeling of pride was made even greater when I saw the ballet as a member of the audience for the first time, with my brother Tobias doing the leading role. I won’t forget that.

50th anniversary of Balanchine’s Jewels in New York 2017. New York City Ballet had invited dancers from the Paris Opera Ballet to perform Emeralds, NYCB did Rubies and dancers from the Bolshoi Ballet did Diamonds. It was a cornucopia of impressive dancing and very interesting to see the different approaches to ballet. I was reminded how art can bring people from all over the world together, regardless of background, politics and global issues.

How is the Royal Danish Ballet different from other companies? Is it different?

Being one of the oldest ballet companies in the world The Royal Danish Ballet has a fantastic tradition and history, not just expressed in the work of Bournonville but also from having had, and continuing to have, a sea of inspirational choreographers, instructors, artists etc attached. Working at the Royal Theatre is enormously inspiring. I love sharing the house with the other art forms, opera, drama and the orchestra, and collaborating with the many individuals who contribute to make the performances come alive. I have enormous respect for my colleagues at the Royal Theatre and that makes me want to make a special effort.

Describe your relationship with Bournonville? What do or don’t you like about him? Does he have a future?

I was raised with Bournonville and have been in his ballets since I was 8 years old. His ballets and training is technically demanding and challenging, with many small changes of weight and complicated combinations of steps. It’s extremely musical and dancing his choreography can feel like riding a wave of music and dynamic. At the same time, Bournonville was a very skilled storyteller, his ballets have a very human dimension, which I like. I enjoy working with his ballets and definitely think they have a future.

Honestly, is there a place for classical ballet in the modern world?

Yes. To me, ballet can be timeless, but stage art only lives as long as we work on it. The theatre offers a space free of the stress of everyday life. A place of contemplation, captivation, reflexion, and oblivion. I love being in the auditorium and being engrossed by what goes on on stage, but I am also very critical, especially about ballet. I think we have a responsibility to make sure that ballet in its classical form doesn’t get dusty or loses its sense of direction. That doesn’t necessarily have to be through reinterpretation of the classics, it can also happen simply by performing them at the highest level.

How is ballet different from other art forms?

Ballet is a unique language. The body is our instrument and because of the almost celestial movement, it can become poetry. The combination of music, sets, communicating feelings, all of this creates an impression that bypasses the brain and speaks directly to the senses.

Do you have a link (or several) for a ballet on YouTube you would like to share? Why should we watch this, and what should we look for?

Alina Cojocaru is one of my idols. In this video she speaks about letting go on stage and reacting to what happens in the moment. Alina mentions Sorella Englund, who is another of my great inspirations.

Gelsey Kirkland im Giselle. The quality and freedom that she has will remain a huge inspiration to me always.


LÆS ALLE ALEXANDER MEINERTZ’ TEKSTER PÅ POV HER.


Topfoto: Ida Praetorius i Liam Scarletts Spar Dame. Fotograf: Henrik Stenberg/Det kgl. Teater.

Facebook kommentarer

Modtag POV Weekend, følg os på Facebook – eller støt vores arbejde

Modtag ugens væsentligste analyser, anmeldelser og essays i POV Weekend – hver fredag morgen.
Det er gratis, og du kan tilmelde dig her  Pil mod højre

POV er et åbent og uafhængigt dansk non-profit medie.
Har du mulighed for at støtte vores arbejde? Bliv frivilligt støttemedlem her  Pil mod højre

Jeg har været tilknyttet POV fra foråret 2016, først som skribent men siden som medlem af ledelsen og chefredaktionen, hvor jeg særligt har været optaget af udvikling af POV's publicistiske idé, strategi, organisation, kommunikation og design.

Som anmelder har jeg skrevet analytisk, kritisk og lidenskabeligt om klassisk ballet siden 1991, i dag primært ved Kristeligt Dagblad og POV. Mine anmeldelser og essays samler jeg på: https://alexandermeinertz.dk, hvor du også kan tilmelde dig et nyhedsbrev.

Fokus i mine kommentarer og overvejelser er på værk, idéverden og iscenesættelse efter devisen, “Never trust the teller, trust the tale. The proper function of a critic is to save the tale from the artist who created it.” ― D.H. Lawrence.

I 2006 udgav jeg biografien "Vera Volkova" hos Schønberg/Arnold Busck, efterfulgt af "Erik Bruhn - Billedet indeni" i 2008. Vera Volkova udkom samme år i engelsk oversættelse hos Dance Books, London. Jeg har desuden oversat og været ghostwriter på en række fagbøger.

Selfien med Medusa-hovedet tog jeg en sommerdag i Det Arkæologiske Museums have i Istanbul.

Seneste artikler om Kultur

Lorca

Den uafrystelige Lorca

BØGER//ANMELDELSE – Kender I det? At læseoplevelser pludselig væver sig ind i